​«Musée précaire Albinet»
Réfléxion sur les enjeux de l’art encrés dans la réalité.







   Le Musée précaire d’Albinet est un projet réalisé par l’artisite Thomas Hirschhorn au printemps 2004 sous l’initiative des «Laboratoires d’Aubervilliers».

   Ce projet avait pour vocation de mettre en palce un «musée précaire» au pied d’une barre d’immeuble dans le quartier du Landy à Aubervilliers, en Seine-Saint-Denis (93). Ce «musée précaire» proposait d’exposer durant huit semaines des œuvres clés de l’histoire de l’art du XXème siècle: «huit artistes dont l’utopie était de changer le monde». Pendant deux mois (prenant en compte le montage/l’exposition/le démontage), l’artiste Thomas Hirschhorn invente le Musée Précaire Albinet, un lieu d’échanges et de rencontres où «l’art peut, l’art doit, l’art veut... changer la vie»1.







L’investigation de l’art dans l’espace public.



   T.Hischhorn se refuse à réduire son travail exclusivement dans des lieux culturels et tient à confronter son travail dans les musées, galeries commerciales, mais aussi dans la rue. Il cherche ainsi à être en accord avec l’espace public à travers son travail.
   C’est pourquoi la réalisation de ce musée suit les règles de l’art et non la logique d’une action sociale. L’élaboration de ce musée suit son parcours artistique où ses œuvres sont esthétiquement pauvres et marginales mais très structurées avec des matériaux simples, matériaux de récupération pour la plupart. Et ce musée se constitue en effet de cartons, de palettes de bois, de scotch et de bois, pour le principal. L’artiste, à travers la réalisation de cet espace éphémère, traduit un espace qui définit sa relation à l’œuvre d’art pour présenter des œuvres d’art. C’est par ce processus qu’il conditionne son travail comme une intervention artistique et non social.

   De plus, l’ensemble de son œuvre est conçu pour être montrer là où il peut être vu: dans la rue, les halls de magasin et aux pieds des barres HLM. Il souhaite être ainsi en accord avec l’espace public dans lequel il s’implante: «en tant qu’artiste avec un projet dans l’espace public je dois donc forcément être d’accord avec la réalité»2. Son travail met en scène une réalité que souvent nous oublions mais présenter un travail dans l’espace ouvert à tous, c’est-à-dire l’espace public, nous confronte directement à cette réalité. L’artiste considère que l’art a du sens s’il met en place une contradiction et un scandale qui questionne la société. Cette contradiction repose sur le fait que l’artiste présente des œuvres d’art utopistes dans un contexte

qui inclut une réalité sociale et économique: celle d’un quartier empris au processus d’exclusion. Le scandale (c’est-à-dire ce qui paraît incompréhensible, pose problème à la conscience) provient du fait d’avoir créé un «musée précaire» pour présenter des grandes œuvres utopistes
du XXIème siècle.

   «Œuvrer à même le monde réel (...), exposer hors du
centre d’art ou du musée s’avèrent en fait inconcevable sans une profonde refonte de la notion même d’art, en ce sens : le primat dorénavant accordé à la présentation, contre la représentation. Comme a pu l’écrire le critique d’art Pierre Restany, « le statut platonicien de l’image n’a vraiment été contesté qu’à partir du moment où l’expansion de la culture urbaine nous a fait passer d’un art de la représentation à un art de l’appropriation du réel, c’est-à- dire de sa présentation »»3.



   Mais pour que l’utopie est du sens il faut la confronter à la réalité: celle des cités. L’utopie est une construction imaginaire et rigoureuse d’une société, qui constitue, par rapport à celui qui la réalise un idéal. L’idéal de l’artiste est de confronter directement l’utopie à la réalité. Les barres d’immeubles et toutes les conséquences qui y sont impliquées se présentent donc comme la réalité alors que son intervention se présente comme l’utopie d’une société où l’espace public dévoile ce auquel les habitants du Landy n’ont plus accès: l’art. Ce musée précaire connote bien cet enjeu d’amener l’art là où on ne peut garantir la durée, la solidité, la stabilité, qui, à chaque instant peut être remis en cause. Cette intervention reste ponctuelle dans le temps et l’espace mais l’impact dans la réalité peut rester infini.



   Mais cette réalité quelle est elle? Un quartier sensible où la pauvreté est très présente. Or cette pauvreté enclenche un processus d’exclusion, de replis sur soi où l’individu n’a plus accès à l’espace qui l’entoure: celui de la ville. Alors si le quartier, qui implique tous ses habitants et ses infrasctutures, ne peut pas venir à la ville, alors la ville, qui comprend la culture et un processus d’intégration, vient au quartier. C’est ainsi, comme l’explique Thomas Hirschhorn, que «je dois co-opérer avec la réalité pour la changer. On ne peut pas changer la réalité si on n’est pas d’accord avec elle»4. «Être d’accord» avec la réalité ne signifie pas seulement approuver mais affirmer le sens de l’intervention. Or le travail de l’artiste est d’exposer des œuvres d’arts clés utopistes dans un espace qui ne conditionne pas un site prévu à cet effet: un quartier sensible de logements. C’est-à-dire qu’il expose là où on a pas accès facilement à une forme de culture dans un espace qui définit cet enjeu de se montrer, s’exposer: l’espace public.